Твоя палитра - учимся понимать живопись и рисовать (Каменева) 1963 год
Скачать Советский учебник
Назначение: Для восьмилетней школы
Авторство: Е. Каменева
Формат: DjVu, Размер файла: 3.56 MB
СОДЕРЖАНИЕ
Первая часть
У художника острый взгляд 3
Четыре незнакомых слова 8
Открытие архитектора 10
Почему дали голубые? 15
Судьба художника 17
Волшебный свет 20
Девочка и персики 22
Сколько оттенков у белого цвета? 24
Где должен быть главный герой? 25
Ворона на снегу 28
Что такое жанры 31
Красота в обыденном —
«Малые голландцы» и пейзаж 34
Милая нашему сердцу природа 35
Зеркало души 36
{spoiler=См. оглавление полностью...}
Труд художника 41
Художник должен видеть все сам —
Кладовая художника 43
Подвиг художника 44
Вторая часть
Мир в карандаше. Рисунок 47
Рисовать надо всегда самостоятельно 48
Репин: «На рисунке надо зубы проесть» 50
Поговорим о карандашах угле и сангине 51
О бумаге 53
Как наклеить бумагу 54
Как сидеть когда рисуешь 55
С чего же начать? 56
Первый натюрморт 58
Наблюдение и память 60
Рисунок на природе 62
Рисуй животных 63
Рисунок человека 65
Мир в красках Акварель 69
Что надо знать о красках 70
Какие нужны кисти 72
Сначала рисунок 73
Натюрморт акварелью 75
Тень свет рефлекс и блик 77
Пейзаж акварелью 78
Как работать — быстро или медленно? 82
Гуашь 83
Пастель —
На палитре лежат краски. Масло 85
Кто первый усовершенствовал масляные краски —
Холст надо грунтовать 86
Клеевой грунт 87
Эмульсионный грунт 88
Какие нужны кисти —
А какие краски? 89
Другие материалы 90
Особенности масляных красок —
Что можно сделать самому 93
Как сделать резинку мягкой
Как приготовить угли для рисования —
Как сделать фиксатив 94
Масляный лак
Складной мольберт 95
Большой мольберт
Складной этюдник 96
Альбом —
Этюдник для красок и кистей 97
Палитра 98
Малая Третьяковская галерея 100
Великая коллекция —
Как окантовать 102
Как развесить выставку 103
Не только Малая Третьяковская 105
Кружок в школе —
Иллюстрации 111
{/spoilers}
Скачать бесплатный учебник СССР - Твоя палитра - учимся понимать живопись и рисовать (Каменева) 1963 года
СКАЧАТЬ DjVu
{spoiler=См. Отрывок из учебника...}
ПЕРВАЯ ЧАСТЬ
Стройные высокие деревья протянули над аллеей свои причудливые темные зимние ветки. Повсюду лежит белый снег. Сад необыкновенно красив и немного таинствен, как в волшебной сказке. Он весь сверкает морозным, серебристым инеем. Деревья кажутся особенно высокими, потому что внизу, на заснеженных дорожках, изображены совсем маленькие фигурки взрослых и детей. (См. иллюстрацию II в конце книги.)
Так нарисовал ленинградский мальчик Володя Коваль. Он очень хорошо сумел показать морозный день, когда под ногами скрипит снег, а кругом тихо, не шевелясь, стоят деревья, будто боясь сбросить с себя свой блестящий снежный наряд. Легко представить, как однажды зимой прибежал Володя в Михайловский сад и вдруг остановился, изумленный его красотой. Придя домой, он нарисовал то, что запомнилось ему.
Желание передать линиями и красками окружающий мир появилось у человека очень давно. 30 тысяч лет тому назад в древнем каменном веке люди не умели ни читать, ни писать, но они умели рисовать.
Человек тогда не пахал землю и не сеял, а охотился на диких зверей, и его жизнь зависела от удачной охоты. Поэтому животные интересовали людей больше всего.
Воображение человека было поражено огромными зверями, за которыми он охотился. В глубине своей пещеры он подбирал уголь от погасшего костра и в полутьме на стенах изображал в натуральную величину бизонов, медведей, оленей с ветвистыми рогами.
Нас изумляет искусство, с каким нарисованы эти животные. Острота глаз у первобытного человека была необыкновенной — как верно он подмечал повадки животных, их движения.
Первобытные охотники верили, что изображения зверей имеют магическую силу и могут принести хорошую добычу. Перед пещерными рисунками они совершали обряды для того, чтобы охота была удачной.
Иногда художник рисовал бизона и на теле его очерчивал сердце. Он учился попадать в это сердце, стреляя в него из лука, как в мишень.
Не только животных рисовали художники каменного века. На грубых сводах их жилищ можно увидеть изображения охотников, стреляющих из лука, а иногда танцующих людей. Трудно поверить, что эти рисунки создавались в такие далекие времена. Как правило, они были выполнены углем, красной охрой и темно-красным железняком.
Эти краски люди уже тогда умели находить в земле.
Впервые рисунки первобытных людей были обнаружены в конце прошлого века в пещерах Северной Испании.
Потом стали попадаться изображения животных, выбитые на камнях. На Ангаре есть целые скалы, сплошь покрытые ими. Наскальные рисунки нашли и в Африке, и в Карелии, и во многих других местах.
Под Свердловском есть Капова пещера. Ее назвали «Наскальный Эрмитаж» из-за большого количества рисунков на стенах.
На протяжении всей истории рядом с человеком всегда шло искусство. Проходили века, преображалась жизнь, одна эпоха сменяла другую, но люди продолжали создавать статуи и картины, искусные изделия из кости и дерева.
Мы привыкаем к миру, в котором живем, и многое перестаем замечать. А у художника острый взгляд. Он видит то, что нам с тобой, может быть, и не бросится в глаза, но что очень характерно и важно. Художник помогает нам постигать мир. В самых простых, казалось бы, вещах, в обыкновенной природе, знакомой нам с детства, художник открывает новую красоту, и мы стоим перед ней пораженные.
Есть у художника Левитана картина «Березовая роща». В ней изображен только кусочек леса — всего несколько берез и трава. Незатейливый, простой уголок природы. Но сколько прелести в нежных бело-розовых стволах берез, какие яркие солнечные блики играют на листьях, на траве! Смотришь и, кажется, видишь: вот пролетела с жужжанием пчела... и будто чувствуешь, как пахнет согретая солнцем листва. И ты думаешь: «Как часто я сам бывал в лесу, но никогда не знал, что он может быть так красив».
Древнегреческий скульптор Фидий, живший в V веке до нашей эры, изваял статую Зевса из золота и слоновой кости. Статуя не сохранилась до наших дней, но остались книги, в которых она описана. Из них мы узнали, что люди, у которых было горе, приходили к статуе и находили утешение, глядя на лицо Зевса, — таким оно было добрым и прекрасным.
Искусство — это мир человеческих чувств и мыслей, и поэтому оно волнует и трогает нас.
Произведения искусства раскрывают не только красоту природы и человека. Они говорят и заставляют нас думать о правде, о добре и зле, о несправедливости. Вероятно, не одно поколение людей, приходивших в Третьяковскую галерею, смотрело с болью и негодованием на «Бурлаков на Волге» Репина.
И разве не испытывали они гнев, когда стояли перед картиной Ярошенко «Всюду жизнь»? А какой щемящей грустью наполняется сердце, когда видишь «Владимирку» Левитана — дорогу, по которой угоняли на каторгу людей, боровшихся за счастье народа.
Умение наслаждаться искусством приходит не сразу. Не сразу открывается неопытному глазу красота картины. Может быть, и ты проходил по залам музея, смотря то на один холст, то на другой, и тебя занимало лишь его содержание. Но разве это все, что есть в картине?
Для того чтобы лучше почувствовать произведение живописи, надо научиться понимать язык красок и линий. Ведь и художнику одного вдохновения мало, чтобы создать произведение искусства. Многие годы он учится рисовать и писать красками.
В этой книге ты прочтешь о некоторых особенностях творчества художников, и оно станет тебе более понятным. А если ты рисуешь сам, то эти знания помогут тебе в работе.
В картине «Мадонна из благовещения» (см. иллюстрацию IV) все непривычно для нас. Ее написал итальянский художник Симоне Мартини, живший в XIII веке. Он изобразил мадонну. Это религиозный сюжет, но в ту пору всё, что писали художники, было связано с религией.
В течение долгого периода средневековья церковь безгранично властвовала над людьми. Она подчиняла себе всю жизнь, все людские помыслы и дела. Искусство служило тогда только для украшения церкви и прославления бога.
Фигура мадонны немного удлиненная, голова мечтательно склонилась набок, безвольно опущенная рука кажется неживой. Так писали художники в XIII и XIV векал. Они рисовали святых бесплотными: под складками их одежд не чувствовались кости и мускулы, потому что художники не знали строения человеческого тела. Заниматься анатомией человека считалось большим грехом и жестоко наказывалось.
Церковь учила, что бог велик, человек же ничтожен и грешен. Он должен страдать на земле и отказываться от всех земных радостей во имя загробного блаженства. Вот потому-то итальянские художники в то время как будто забыли о природе. На их картинах нет ни неба, ни земли, ни деревьев — ничего, что напоминало бы людям о жизни. Картины писались на золотом фоне, как иконы.
Но время шло, и все постепенно менялось. Росли и богатели новые города, развивались ремесла.
Итальянские мореплаватели уходили в далекие путешествия, открывали новые земли. Возвратясь домой, путешественники рассказывали о разных заморских странах. Представления людей о мире удивительно расширились.
И вот наступила эпоха Возрождения. Это был период, когда наука и искусство достигли необычайного расцвета, когда трудно было найти в Италии людей, не увлекавшихся искусством.
Отношение человека к миру, его взгляд на людей, на то, что хорошо и что плохо, называется мировоззрением. В эпоху Возрождения, борясь со старым, церковным, возникло новое мировоззрение, которое мы называем гуманизмом. Слово это происходит от латинского «гуманус», что значит буквально — «человечный». Гуманизм принес с собой любовь к человеку, преклонение перед красотой его тела и величием духа.
Новая жизнь врывалась в мастерские художников. Не загробная, а земная. Художники теперь пристально изучали природу, стремясь правдиво передавать ее. Они отказались от золотого фона. И хотя по-прежнему картины писались на религиозные темы, но они уже были другими. Главным в них стал человек. Вместо святых художники изображали своих современников в обычной обстановке — так, как они видели их в жизни.
Поначалу это было трудно для художников. Им не хватало знаний, которые помогли бы им. Природу они изображали очень наивно. Они не знали законов рисунка и живописи, необходимых в работе художника.
Сейчас ты познакомишься с четырьмя незнакомыми словами. Некоторые из них ты, возможно, слышал, но значение их было для тебя неясным.
ОТКРЫТИЕ АРХИТЕКТОРА
На одном из холмов, окружающих со всех сторон Флоренцию, расположена небольшая площадь — Пьяццалле Микеланджело. С площади хорошо виден раскинувшийся город и в центре старинный Флорентийский собор Санта Мариа дель Фьоре, увенчанный огромным куполом. Красная черепица, покрывающая его, необыкновенно красиво выделяется на фоне синего неба.
Собор был сооружен еще в конце XIII века, но не достроен. В 1417 году попечители собора пригласили итальянских, французских и немецких зодчих разработать проект купола. Эта задача оказалась под силу итальянскому скульптору и архитектору Филиппо Брунеллески. Его проект был простым и вместе с тем необычайно смелым. Изобретенные им механизмы позволили возвести огромный купол без помощи каких-либо лесов. Восхищенным современникам купол казался чудом и принес талантливому архитектору славу.
Работая над чертежами купола, Брунеллески применил открытые им законы перспективы.
Слово «перспектива» означает: «смотри вдаль». Это наука о том, как изображать на плоскости бумаги или холста предметы такими, какими мы видим их в природе.
Посмотрим же, о чем говорят нам законы перспективы, разработанные впервые Филиппо Брунеллески. Вот один из них, и самый главный: чем дальше предмет, тем он кажется меньше.
Ты и сам можешь проверить это. Если идти по улице, обсаженной деревьями, то постепенно, по мере удаления от тебя, деревья становятся всё меньше и меньше. Самое большое дерево вдали будет не больше твоего пальца. (См. иллюстрацию III.)
Другой закон говорит о том, что горизонтальные параллельные линии, удаляясь от нас под каким-нибудь углом, постепенно сближаются и наконец сходятся в одной точке. Чтобы убедиться в этом, посмотри на рельсы железной дороги, на линии телеграфных проводов.
Точка, в которой сошлись параллельные линии, называется точкой схода. Когда мы рисуем какой-нибудь пейзаж, улицу, дом, комнату, то в любом предмете или группе предметов будет точка, которая находится прямо против наших глаз. Если через эту центральную точку провести горизонтальную линию, то это и будет линия горизонта.
Предметы, которые находятся выше линии горизонта, видны снизу, ниже линии горизонта — сверху. (См. рис. внизу.)
Зная эти правила, художник может на небольшом листе бумаги нарисовать аллею, уходящую вдаль, улицу, внутреннюю обстановку комнаты. Он может также изобразить толпу. Фигуры на переднем плане будут крупнее, а следующие меньше и меньше.
В науке о перспективе есть и другие законы, но эти два — главные. А с остальными ты познакомишься со временем.
Филиппо Брунеллески еще и еще раз проверял свое открытие с помощью математики. Он стал брать уроки геометрии у математика и астронома Паоло Тосканёлли, друга Колумба, чертившего для мореплавателя карты его путешествий.
Современники Филиппо рассказывают, что он был необычайно взволнован и потрясен своим открытием: наконец-то можно рисовать натуру такой, какая она в действительности.
Ведь до того, пока неизвестна была перспектива, окружающий мир на картинах изображали как географическую карту, то есть плоско.
Законы перспективы были радостно встречены художниками. Теперь, владея ими, они писали так, что в их картинах были пространство и глубина.
У замечательного русского художника Василия Ивановича Сурикова есть картина «Боярыня Морозова». (См. иллюстрацию I.)
Многие ребята, наверное, видели ее в Третьяковской галерее. Кто не видел, пусть обязательно посмотрит.
Событие, изображенное на картине, происходило в XVII веке, в царствование Алексея Михайловича. Боярыня Морозова была фанатически привержена к древним церковным обычаям и противилась всяким новшествам, которые тогда вводила церковь. За это Морозова была сослана в монастырь. Суриков выбрал именно тот момент, когда ее увозят в изгнание.
Боярыню Морозову художник поместил немного влево от центра картины. Она сидит в санях, высоко подняв тонкую руку, окованную цепью. Сани едут в глубь картины. Мы ясно ощущаем это движение и движение толпы вслед за санями. Бежит за ними мальчик, спешит женщина в белом платке — это княгиня Урусова, сестра Морозовой. Протянул руку, благословляя боярыню, старик юродивый.
В картине все построено по законам перспективы. Фигуры на первом плане крупные, на втором плане они уже меньше. Дома вдоль улицы тоже постепенно уменьшаются и наконец как будто тонут в глубине, сливаются с небом.
Мог ли художник, не знакомый с законами перспективы, раскрыть свой замысел, как это сделал Суриков в «Боярыне Морозовой»? Конечно, нет.
ПОЧЕМУ ДАЛИ ГОЛУБЫЕ?
Можно без конца ходить по улицам Флоренции, любуясь ее прекрасными памятниками и дворцами, построенными в средние века и в эпоху Возрождения. Узкая и прямая, как стрела, улочка Уффйцци выбегает на главную площадь города — пьяцца делла Синьории. С одной стороны ее замыкает старинный дворец — палаццо Вёккио. Стены его, сложенные из больших плит серовато-желтого камня, украшены сверху зубцами. Это придает зданию суровый вид крепости. Высоко к небу поднимается могучая башня.
Перед дворцом стоит большая мраморная статуя Микеланджело «Давид». Один из майских дней 1504 года, когда ее устанавливали, превратился в большой народный праздник.
В то время возле «Давида» всегда собирались художники, оживленно обсуждавшие достоинства статуи. Среди них часто можно было видеть высокого стройного человека в берете, с развевавшимся коротким красным плащом за плечами, с прикрепленным на цепочке у пояса небольшим альбомом с записями и эскизами.
Это был великий итальянский художник Леонардо да Винчи.
В конце книги (иллюстрация V) помещен автопортрет, на котором художник изобразил себя уже стариком с длинной бородой.
Около 1482 года Леонардо закончил работу над картиной «Мадонна Литта». Склонив голову над сыном, сидит молодая мать. За полукруглым окном вдали синеют горы. Чем они дальше, тем светлее их окраска и все менее отчетливы очертания.
Леонардо цровел детство среди красивой природы Тосканской провинции. Взбираясь во время прогулок на высокие горы, он наблюдал, как цветущие долины с виноградниками уходят далеко к светлому горизонту. И там вдали уже не отличишь, где земля, а где небо. Это поразило мальчика и запомнилось ему на всю жизнь. Когда Леонардо стал художником, он постоянно изображал в своих картинах эти голубовато-синие дали.
Леонардо да Винчи был не только художником, но и ученым. Он доказал, что толща воздуха, сквозь которую мы смотрим вдаль, смягчает очертания и цвет предметов и придает им голубовато-серый или синий цвет в зависимости от освещения. Это явление получило название воздушной перспективы.
Так два замечательных художника создали учение о перспективе. Законы эти и сейчас, спустя пять веков, почти не изменились, и все художники неизйенно пользуются ими, когда пишут картины или рисуют.
Вот мы и узнали с тобой, что означает наше первое незнакомое слово — «перспектива».
Над тихими каналами Амстердама склоняются тяжелые ветви деревьев. Под тенью их, сгорбившись, бредет бедно одетый пожилой человек. Он погружен в свои думы, почти не замечает прохожих, да и редко кто приветствует его.
Старик идет все дальше и дальше к окраине города и входит в узкую улицу с поэтичным названием «Канал роз». Но это квартал самых бедных, отверженных людей города.
Он поднимается в маленькую, полутемную квартиру. Здесь, в нищете и забвении, живет гениальный живописец Голландии Рембрандт Харменс ван Рейн. Его картины сейчас являются величайшим сокровищем музеев.
Не всегда он был беден и одинок. Много лет назад, в начале XVII века, когда Рембрандт начинал свой путь, он был всеми признанным мастером. Жизнь его была счастлива. У него была любимая жена Саския, сын ТИтус, дом, где, как в музее, были собраны различные произведения искусства, оружие, старинные вещи.
Рембрандт работал с увлечением. В его картинах тех лет чувствуется радость и упоение жизнью. Художник любил изображать драгоценные камни, шелк, бархат, кружева. Он писал юную Саскию во всем блеске ее красоты и очарования, в нарядных платьях, счастливую и веселую, как он сам.
Но с годами все изменилось. Голландское общество стало относиться к художнику все холоднее и холоднее.
Что же произошло? Голландские обыватели ограниченные и самодовольные бюргеры, украшавшие картинами свои дома, любили, чтобы художники изображали веселые, занимательные сцены. Им нравилось, когда им льстили, рисуя их в пышных костюмах, в богато обставленных комнатах или за столом, ломившимся от еды.
Но Рембрандт понимал, что жизнь далеко не для всех празднична. И его уже не чарует пышность богатства, внешняя красота. Он стремится постичь внутренний мир человека, понять характер, показать силу и благородство его духа. И он находит все эти мотивы в жилищах бедняков. Художник часто ходит туда, в убогие кварталы Амстердама, и наблюдает тяжелую жизнь их обитателей. Даже когда Рембрандт пишет картину на библейский сюжет, он изображает все тех же бедных людей. С большой любовью и теплотой относится к ним художник. Его привлекают старики с мудрыми лицами, на которых можно прочесть пережитые невзгоды и горе. Он пишет портреты старух со скорбными, но добрыми глазами, с натруженными руками. Глубже и правдивее становится его творчество. Но, увы, эти портреты никто не покупает. Его прежние восторженные почитатели — бюргеры, еще так недавно преклонявшиеся перед ним, с возмущением отвернулись от нового Рембрандта. Хочет писать бедняков — пусть, но они-то не хотят иметь с ним ничего общего.
Долго, упорно работал Рембрандт над заказанным ему групповым портретом стрелков (то есть бюргерской милиции). Это замечательное произведение художник написал полным движения и света. В нем он стремился раскрыть образы героев Голландии, боровшихся за ее независимость. Он ввел в картину, кроме 17 портретов
самих стрелков, несколько дополнительных лиц. Персонажи в картине не просто позируют, а все до единого заняты чем-либо: кто бьет в барабан, кто насыпает порох, кто заряжает мушкет. Лучи света кого-то освещают сильнее, а кого-то оставляют в тени. Некоторые фигуры лишь едва намечены, едва заметны. Всюду — на лицах и на предметах — играют блики. Вся картина как бы трепещет от наполняющего ее воздуха и света.
Заказчики не поняли замысла художника и отвергли картину. Она стала предметом насмешек и очень подорвала и без того пошатнувшуюся популярность Рембрандта.
Вслед за этим еще один страшный удар обрушивается на художника. Умирает его любимая Саския. Со смертью Саскии ее богатые аристократические родственники окончательно порывают с Рембрандтом всякие отношения. Но Рембрандт не огорчен этим. Шумный успех, внешний блеск его уже давно не привлекают. Смыслом жизни для него стало творчество. В этот период оно становится наиболее значительным.
Художнику живется очень трудно. Все меньше становится у него заказов и покупателей, все больше долгов. Наконец наступает полное разорение: его имущество и ценнейшая коллекция продаются с аукциона. Рембрандт переселяется на окраину Амстердама.
Несчастья продолжают преследовать художника. Умирает вторая жена, Хёндрикье, а вскоре и его сын Титус. Рембрандт остается совершенно один.
Но несчастья не сломили дух художника. Он не отрекся от своих идей, не поступился ничем ради богатства.
На портрете (см. иллюстрацию VIII) сын Рембрандта — Титус. Свет, льющийся слева, скользит по лбу, по завиткам волос, чуть касается кончика носа, потом спускается ниже, выделяя подбородок на темном фоне. Легкие тени лежат на лбу, около глаз и рта, делая лицо необыкновенно живым.
Свет в природе падает на предмет неравномерно: если одна часть освещена, то другая остается в тени. Как звуки в музыке могут быть сильнее и слабее, так и краски, в зависимости от освещения, имеют разную степень яркости. В освещенных местах краски светлее, а в тени темнее. Между светом и тенью лежат полутени.
Сочетание светлых и темных тонов называется светотенью. Светотень играет в живописи очень важную роль. Благодаря свету и тени художник может изобразить на плоскости круглые предметы. Или, как говорят художники, передать объемность предмета или человека. Свет и тень как будто «лепят» форму.
Рембрандт в совершенстве владел искусством светотени. Потоком чудесного света озарены фигуры людей на его картинах. Они как будто окутаны живым, мягким сиянием. В освещенных местах свет искрится и сверкает как драгоценный камень. Необычайно тонко один тон переходит в другой. Полутени постепенно сгущаются и переходят в тени. Но даже глубокие тени написаны не одной краской, в них тысячи оттенков, и поэтому они кажутся нам прозрачными, полными таинственных отсветов. Контрасты света и тени придают картинам движение и трепет. В них одно из главных очарований искусства великого художника.
Светотенью Рембрандт пользовался и в том случае, когда хотел выразить свои мысли. Для него ведь самое важное — внутренний мир человека. Чтобы подчеркнуть это, он пишет портреты на затемненном фоне. Один из лучших таких портретов — «Старик в красном». Луч света освещает лицо старика, вернее, часть лица и руки. Все остальное погружено в сумрак. Мы рассматриваем умное печальное лицо и видим на нем следы пережитых страданий. Как много говорят нам и эти старые, усталые руки.
Светотень, так же как и перспектива, открыла перед живописцами новые пути.
Раньше художники не умели передавать объемность. В Древнем Египте, например, людей изображали плоско. Намечали лишь контур, а потом заливали его равномерно одним цветом. Причем мужчин — красновато-коричневым, женщин — желтым. Голову рисовали в профиль, а тело, руки и ноги — в фас, будто мы видим их спереди.
Светотень, особенно развившаяся в эпоху Возрождения, дала живописцам возможность изображать живой, реальный мир: глубину комнаты, пространство полей, мягкую округлость предметов, причудливую игру света и теней в природе.
Итак, мы с тобой узнали второе слово — «светотень». Какое же третье?
Лето 1887 года молодой художник В. А. Серов проводил в имении своих друзей Мамонтовых.
Дочь Мамонтовых, милая и веселая Верочка, привлекла его внимание. Серов попросил ее позировать.
Нелегко было живой, шаловливой девочке сидеть часами в комнате, когда все вокруг манило в сад. Но все же целый месяц позировала она художнику.
Девочка-подросток сидит за столом, в руках у нее персик. Она глядит прямо на зрителя внимательными темными глазами, легкая улыбка затаилась в уголках рта. (См. иллюстрацию IX.)
Мы смотрим на картину. Кажется, будто сама юность воплощена в ней, и нас охватывает ощущение необыкновенной поэтичности и свежести.
Комната наполнена воздухом, пронизана солнечным светом, льющимся из окна и освещающим девочку.
А сколько прелести в красках: розовая кофточка, черный бант, смуглое лицо, зелень деревьев за окном...
Соседство этих, казалось бы, совсем разных цветовых отношений не режет глаз. Наоборот, нас радует то, как хорошо и тонко они соединяются друг с другом.
На розовой кофточке лежат голубые и сиреневые блики. И в этом сочетании та же удивительная гармоничность.
Художник очень искусно положил на полотно такие оттенки голубого и розового, которые прекрасно дополняют друг друга. А когда в картине все цвета согласованы, или, как говорят художники, найдены цветовые отношения, тогда и впечатление от картины будет единым.
Вот эту согласованность цветов, то совсем различных, контрастных, то близких друг другу, мы называем колоритом.
Внимательное наблюдение жизни, природы всегда помогало художникам в их работе. Так и с колоритом. Колорит художники увидели прежде всего в природе, которая таит в себе огромное богатство и разнообразие красок.
Пойдешь ли ты в лес ярким, солнечным днем или пасмурной, осенней порой, ты увидишь, что цвет неба, земли, листьев — все это находится в полной гармонии.
Есть цвета, которые легко сочетаются друг с другом, а есть более трудные сочетания, например, красного и синего, красного и зеленого. Художник должен подобрать такие тона этих двух цветов, которые не будут «спорить» друг с другом. Колорит придает картине необыкновенную красоту. Для художника чувство колорита ценный дар.
Суриков в своей картине «Боярыня Морозова» необычайно ярко написал толпу. Люди одеты в старинные русские одежды: голубые, желтые, малиновые, расписанные цветным узором. Но, несмотря на обилие разных красок, ни одна из них не «кричит», как говорят художники, не выпадает из общего тона картины. Мы будто смотрим на все сквозь дымку морозного дня, и голубоватый воздух, наполняя пространство картины, смягчает цвета.
Богатство красок в картинах Сурикова и Серова изумляет и радует. Они учат нас совсем по-иному смотреть на мир.
Колорит нужен художнику не только для того, чтобы показать разнообразие цвета. Он подчеркивает содержание, идею картины, передает замысел и чувства художника.
В «Девочке с персиками» все светло, радостно. Все говорит нам о молодости, о поэзии, о счастье жизни. И наоборот, в «Боярыне Морозовой» в светлом тоне морозного утра черный цвет одежды Морозовой звучит как тревога, как напоминание о ее трагической судьбе.
СКОЛЬКО ОТТЕНКОВ У БЕЛОГО ЦВЕТА?
На палитре художника лежат краски: белая, желтая, красная, синяя... Но пока это только краски. А в картине мы видим не чистую краску, а цвет, которым окрашены предметы. Для того чтобы получить цвет, художник смешивает краски, лежащие на его палитре.
Существует очень много оттенков одного и того же цвета.
Посмотри, каким разным может быть зеленый цвет: желтовато-зеленый, сине-зеленый, серовато-зеленый, коричневато-зеленый... Перечислить все оттенки просто немыслимо; ведь каждого цвета можно добавлять в зеленый то меньше, то больше.
Воздух, окружающий нас, различное освещение отражаются на цвете, изменяют его. В картине «Девочка с персиками», например, скатерть, стена, тарелка на стене — белые, но разве они написаны одной белой краской?
{/spoilers}
